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Esencia de Barcelona en el perchero Ona

Existen objetos que guardan la esencia de quienes lo crearon y que acaban formando parte de nuestro hogar. Cada elemento es elegido con cuidado para crear los ambientes más personales. Objeto a objeto, hacemos de nuestra casa un santuario lleno de personalidad e inspiración. Por eso, hoy nos adentramos en la historia del perchero Ona, la pura esencia de Barcelona.

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El perchero Ona se define como un juego de la ondulación en una estructura lineal. Finos trazos de forma curva siguen una línea, consiguiendo una estética delicada y limpia. Casi como una pequeña obra de arte funcional que aporta estilo propio, crea un ambiente completo y llena de originalidad cada rincón. Los premios de esta exquisita pieza son numerosos pues datan desde el año 1992, año en el que recibió el Delta d’Or AdiFad y el premio de la Selección Sidi. Un año más tarde se coronó con el premio de Diseño Nuevoestilo y desde 1994 forma parte de la Colección permanente del Museu del Disseny de Barcelona y del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. Convirtiéndose así en un verdadero icono de diseño.

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Montse Padrós, interiorista y diseñadora del perhero Ona

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Carlos Riart, diseñador del perchero Ona

Pero ¿quiénes son los padres de esta pieza de museo? Sus nombres son Montse Padrós (1952) y Carlos Riart (1944), y también tienen su pequeña historia. Ambos barceloneses, ambos diseñadores, y ambos con el mismo espíritu creador. La unión de estos dos artistas forjó un concepto único en el que se refleja la propia forma y estética de la ciudad condal.

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Casa Milá, Antoni Gaudi (1906-1910)

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Casa Batlló, Antoni Gaudi (1905)

Sus curvas son un reflejo de la arquitectura de la ciudad. Una estructura que se repite en las edificaciones de toda Barcelona y que busca transmitir a través de este perchero la esencia pura de las curvas de la capital catalana. Verdes, Rojos, grises, tonalidades de madera y blancos son los colores elegidos para que esta pieza de museo transforme los hogares en puro estilo. Así, la naturaleza de Barcelona puede guardarse como un tesoro en un rincón de nuestro hogar, porque un objeto se convierte en una obra de arte cuando guarda la esencia de un lugar.

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La silla Tulip

La semana pasada recibimos la visita de unos amigos canadienses, así que nos hemos dedicado a recorrer nuestra ciudad, visitando esos lugares a los que sólo acudimos cuando vienen los no lugareños. ¿Os pasa también a vosotros? Y por supuesto, hemos hecho una ronda por algunos de los restaurantes y locales del momento. No esperéis crítica gastronómica, porque no estoy cualificada y porque no es lo que nos ocupa en este blog, pero si quería comentaros lo que me ha impresionado el gusto y cuidado con que se decoran en estos días estos espacios. Bares, cafeterías, panaderías… es sorprendente cómo a la hora de iniciar un nuevo negocio se busca un interiorismo novedoso, que siga las tendencias y se adecúe a las necesidades de los diversos locales. En uno de ellos nos encontrábamos cuando mi amigo Josh me comentó lo que le gustaba la silla sobre la que se sentaba, tan moderna y actual. No pude más que reirme y pensar que Eero Saarinen estaría muy orgulloso, ya que  se estaba refiriendo a la silla Tulip, que cuenta con la friolera de ¡57 años! Pero sin duda, es lo que distingue a los buenos diseños, que son atemporales.

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El arquitecto finés revolucionó el diseño de la época con su obsesión por la depuración de las formas en los interiores domésticos, para liberarlos de lo que denominó “aglomeración de patas”. Y por ello creó una línea de piezas (entre las que encontramos su famosa mesa y esta silla) a las que se conoce como muebles Pedestal.

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Muy pronto la silla  se convirtió en un icono, muy reconocible por sus líneas simples y orgánicas. Confieso que me encanta la elegancia de sus formas, pero al mismo tiempo, creo que es capaz de aportar cierto toque pop o retro a la decoración de nuestras casas. Actualmente la tendencia es combinarla con otro estilo de sillas, como comprobaréis en las principales revistas y blogs de decoración. Otra opción decorativa es “descontextualizarla” y colocarla en los dormitorios o en una zona de trabajo.
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¿Algún tulipadicto entre los lectores? Aquí podéis encontrar nuestra versión.
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Silla Butterfly

Qué nombre tan poético para una silla tan bonita. En origen, se denominaba de un modo más prosaico. Era conocida como la silla BKF, respondiendo a las iniciales de sus creadores, los arquitectos del grupo Austral, el catalán Antonio Bonet y los argentinos Juan Kurchan y Jorge Ferrari-Hardoy. Presentada en 1938, por su  airosa forma pronto empezó a conocérsela como silla mariposa.

Se supone que el grupo Austral se inspiró en una silla de madera cubierta de lona, la Tripolina, creada en 1877 por Joseph Beberly Fenby y que fue utilizada por el ejército británico en sus campañas en el Norte de África.

A partir de la década de los 50, este modelo llega a los Estados Unidos y se convierte en un icono. Se calcula que se vendieron en pocos años ¡más de cinco millones de piezas! Originariamente su estructura tubular era de acero y el cuerpo del sillón de cuero, pero en la actualidad podemos encontrarla en múltiples acabados y tamaños.

El único “pero” que le encuentro, es que una vez que te sientas o te recuestas en ella, ya no te querrás levantar. ¿No os parece fantástica para darle un toque “boho” a vuestra casa? En estas imágenes de la revista Micasa podréis comprobar lo ligera y lo versátil que es, ya que encaja en ambientes muy diferentes.

En la Oca podéis encontrar muchas versiones, incluso ésta, que sigue la tendencia navajo,  de plena actualidad esta temporada.

Aunque sin duda  mi preferida es esta versión, en cuero marrón y estilo vintage.

Os aviso que la veréis mucho en revistas y blogs de decoración, la Butterfly Chair vuelve con mucha fuerza.

Silla Barcelona

Esta semana hemos celebrado el 126 aniversario del nacimiento de uno de los arquitectos más influyentes de la arquitectura moderna, Mies van der Rohe. Pero la faceta que quiero destacar hoy es su trabajo como diseñador de muebles, ya que siguiendo las teorías de la Bauhaus, de la que fue director entre 1930 y 1933, el mobiliario debía completar el propósito del edificio, para lograr la armonía total del diseño.

La silla fue creada para el pabellón alemán de la Exposición Universal de Barcelona de 1929.  Se cuenta que Mies van der Rohe se inspiró en la silla curulis, usada por los magistrados romanos, y que su intención era que sirviese de trono durante la inauguración de la exposición para el rey Alfonso XIII.

Su estructura de acero plano y cromado, su asiento, originalmente de cuero y su característica forma, la convierten en un icono del minimalismo. No es por casualidad, ya que una de las frases que resume el estilo de Mies van der Rohe es “Less is More”.

¡Me encanta la versión en blanco! y combinada con mi idolatrada lámpara Bourgie de la que hablamos aquí.

Sin duda, ¡una obra de arte! Aquí podéis localizar nuestra versión.

Acapulco Chair

Poco o nada sabemos sobre su creador. La leyenda habla de un turista francés, que la concibió mientras descansaba en una hamaca en las playas de Acapulco. Lo que es cierto es que en la década de los 60 se convierte en todo un icono. Es entonces cuando este paradisíaco lugar deviene en destino vacacional de las grandes estrellas de Hollywood y personajes de la jet set de la época. Y esta silla pasa a ocupar las terrazas más chics, quedando asociada para siempre como  símbolo del glamour.

Su estructura, que emula las antiguas técnicas de tejido maya, y su forma ergonométrica hacen de ella el sumun de la comodidad. Por lo que hemos visto en las ferias a las que ha asistido el equipo de La Oca, os podemos adelantar vuelve con fuerza esta temporada.

Me encanta su espectacular diseño de líneas simples y su estilo retro. Fabricada en multitud de colores  (¿qué me decís de la versión turquesa?) y en diferentes formatos; silla, mecedora e incluso en versión mini, pueden usarse tanto en interiores como exteriores. Es una pieza fantástica y muy evocadora, ¿no os visualizáis perfectamente a la caída de la tarde, leyendo y con vuestra bebida favorita? ¡Yo si!

Eileen Gray

Estoy segura de que todos habéis visto esta mesa en alguna ocasión, la archiconocida mesa E-1027 o mesa Eileen Gray.

Lo que tal vez no sabéis es la apasionante biografía de su creadora, la arquitecta y diseñadora Eileen Gray, una de las personalidades más originales del diseño de la primera mitad del siglo XX y cuya obra influyó tanto en el modernismo como en el Art Déco.

Nacida en una acomodada familia irlandesa en 1878, pasa su juventud en Londres, donde se matricula en la Slade School of Art para estudiar dibujo y pintura (su padre era el pintor James Maclaren Smith). Allí comienza a interesarse por los trabajos asiáticos de la laca.

En 1902 emigra a Paris, donde continúa sus estudios. La ciudad en aquellos momentos vive una actividad cultural efervescente con la eclosión de las primeras vanguardias. Comienza a trabajar en el diseño de muebles tras estudiar con el diseñador japonés Seizo Sugawara. Surgen los primeros encargos importantes y en 1922 abre su propia tienda, la galería Jean Desert, donde vendía sus diseños y donde empieza a desarrollar un creciente interés por el diseño funcional.

Mediada la década de los veinte, conoce al arquitecto Jean Badovici, quien la convence para iniciarse en el mundo de la Arquitectura. Sin duda su proyecto más conocido fue la la vivienda E.1027, una villa de vacaciones en el sur de Francia. El nombre de la casa, fue una especie de código que se inventó la propia Eileen: E de su nombre, 10 de Jean (la jota es la décima letra del alfabeto), 2 de Badovici, y 7 de Gray. Siguiendo los principios de Le Corbusier, la casa tenía una estructura moderna, con tejado plano, ventanas estrechas y un mobiliario diseñado específicamente para ella. Uno de estos diseños sería la mesa auxiliar de acero cromado y vidrio que nos ocupa hoy. Esta mesa fue un regalo de Eileen para su hermana, a quién le encantaba desayunar en la cama cuando acudía a visitarla.

Tal vez por su condición de mujer o por su espíritu independiente, sus diseños  permanecen el olvido hasta que en 1968 el  crítico Joseph Rykwert publicó en la revista Domus un artículo sobre su carrera. Tras celebrarse una exposición en Londres, volvió a renacer el interés por su obra y fue reconocida internacionalmente como una pionera del diseño racional e industrial.

A título personal, os contaré que ésta fue una de las primeras compras que hice para mi casa y que a día de hoy, es el rincón favorito de juegos de mi hija pequeña, de ahí el especial cariño que le tengo a este diseño. En La Oca podéis encontrarla aquí. Espero que os hay resultado interesante conocer los detalles de este pieza tan fantástica.

Componibili de Kartell

El Componibili de Kartell es un diseño atemporal que lleva entre nosotros más de cuarenta años, aunque por su aspecto pueda pensarse que es una pieza actual. Expuesto en museos de todo el mundo, como el MOMA de Nueva York o el Centro Georges Pompidu de París, este sistema modular de almacenaje fue diseñado en 1967 por la italiana Anna Castelli.

Licenciada en Arquitectura en el prestigioso Instituto Politécnico de Milán, fue una de las precursoras del moderno diseño italiano, interesada en el uso de nuevas tecnologías y materiales, como el plástico. Después de diseñar la sede central de Kartell en 1966, entra a trabajar en la empresa, donde conoce a su fundador, Giulio Castelli, con quién terminaría casándose. Gracias a ella, comienzan a perfilar una marca diferente, arriesgada, basada en el diseño. Pues en sus propias palabras “lo que es hermoso es lo que es útil. La belleza puede mejorar la forma de vida y de pensar de las personas”.

Con forma circular o cuadrada, y fabricado en varios colores, podéis encontrar este sistema de almacenaje aquí.

Como siempre, os dejo con imágenes que os llenen de inspiración.

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